Este es un post para comentarles que pronto renovaremos el sitio y lo haremos bilingüe. Así es, recomendaremos y haremos los reviews tanto en español como en inglés. Esperamos llegar a la mayoría de gente posible. Esperamos lo disfruten.
A Fine Frenzy - Rangers (en youtube)
Música: Siempre es interesante ver cómo aparecen nuevas canciones, perfectas. La tranquilidad de que siempre habrá algo nuevo por escuchar. Rangers lo tiene todo para llegar lejos. Un ritmo de batería diferente, un lead piano hiperactivo, línea de voz casi mística, y una voz realmente preciosa. La inclusión de algunos elementos orquestarles y otros electrónicos está lograda a la perfección. Pero si hubiese que destacar algo en al canción es el tono de la voz y esa línea, con la combinación de palabras que utiliza. El resultado es, como dirían en inglés, haunting. Además, el puente y los coros que propone, con la pausa antes del coro son superiores.
Letra: Primero alabar la forma en que está construida la letra y las palabras utilizadas. Calzan perfecto en la melodía y además logran generar un ambiente de bosque, persecución y misterio. En cuanto a interpretación, me genera dos posibilidades: la desgracia de tener que huir de soldados cuando es uno quien vive tranquilamente en los bosques. La otra, ese caer y caer dentro de una relación, y verse al final uno inmerso en un mundo casi fantasioso, mientras que la realidad trata siempre de volvernos a traer a tierra firme. Ustedes dirán.
Insigne: Insigne es ese tono de garganta-nariz que le imprime a la voz. Está por todos lados. Es único. Y hace su voz única, aunque muchos digan que se parece a otras.
General: Allison Sudol es A Fine Frenzy. Su música no termina de caer en el género pop. Es, digamos, algo más alternativo. Basado en piano. Con una voz encantadora. Lo que la distingue de gran cantidad de voces femenina es sin duda su tono de voz y las particularidades de las formas en que pronuncia las palabras y ronquetea. Un grato descubrimiento en medio del mar de mujeres que hay haciendo música. Además, la belleza de una mujer tocando sus canciones en piano.
Disturbed - Prayer (en youtube)
Música: Este rock pesado es magistral. Las razones son muchas pero exploremos algunas. Ocurre algo interesante cuando escuchamos los acordes y el rasgado del verso y vamos pasando al coro. Las pausas en el verso, esos rebotes, mantienen a la canción de alguna manera contenida. El puente toma los acordes del verso y los abre, para dejarnos ante unos power chords en el coro que son impresionantes. Da la sensación como de deshacer el nudo y respirar. Lo logran además duplicando y hasta triplicando esos power chords, así como las voces, y dándoles más fuerza mediante la amplificación. La melodía de voz es algo similar: en los versos la melodía es más entrecortada, pero pasando del puente al coro se abre y mantiene notas con una mayor duración, lo que da una sensación de libertad y apertura riquísima.
Letra: Esta letra la interpretamos de la siguiente manera: Una persona le canta a otra, a quien parece ver quejándose constantemente por sus desgracias. Minimiza sus quebrantos y le enseña la forma en la que se reza. No podemos decir que es una letra de vanguardia, pero sí tiene elementos interesantes: la métrica que usa en los versos. La referencia a la palabra prayer, que es sumamente emotiva. La forma en la que la melodía de la voz junta las palabras. Suman, y dan como resultado esta magnificencia.
Insigne: Los coros en esta canción, en su totalidad, son una bestialidad. Esa sensación de apertura y fuerza, a nuestro parecer, son superados por muy pocas canciones que conozco.
General: Esta corta canción nos lleva a niveles insospechados de fuerza, de impulso, de ímpetu. A subirle el volumen a diez mil y cantar a todo aire. Pocas son las canciones que lo logran con tanta intensidad. Esta canción es muestra de que el rock pesado puede ser melódico, y super bien producido. Desde que cayó en mis manos quedó en repeat. Vaya fuerza en esos acordes!!
Maxwell – This Woman’s Work (en youtube)
General: Este post es un híbrido por llevarnos a links de una interpretación estudio y otra en vivo de un cover que Maxwell hace de Kate Bush. La versión en vivo es impecable, y demuestra la calidad y capacidad que tiene este cantautor, al que algunos le llaman el sucesor de Marvin Gaye. Maxwell posee un rango de voz impresionante, parecido al que tantos elogios le ha llevado a recibir a Prince. Esta versión de uno de los más grandes éxitos de Kate Bush, dicen algunos, la supera (la intensidad de la versión de Bush es, para mí, insuperable). Lo cierto del caso es que la revivió en su momento. Maxwell es un músico de primera categoría, con composiciones en el área del soul muy muy interesantes, y con interpretaciones vocales dignas de las ovaciones que comúnmente recibe. Recomendamos, sin duda, su primer disco, el Urban Hang Suite, el cual mantiene un nivel diríamos nosotros de un 95%, comenzando por Sumthin’ Sumthin’, y terminando con lágrimas en Lonely’s the Only Other. Búsquenlo.
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Fabián Kelso – Ensayo Dm-G.mp3
Como algunos saben, en Streamlucid también hacemos música, y de tanto en tanto nos gusta compartirla con ustedes. Este es un pequeño ensayo en el que mezclamos un verso, un puente y un coro. Además, es un ejemplo certero de lo fiel y cercana que puede ser una guitarra en los momentos tristes.
PD. La calidad del sonido es bastante regular. Las condiciones en las que se hizo esta grabación no merecen ser recordadas.
Imogen Heap - Hide and Seek (en youtube)
Música: Sigue siendo, existiendo y habiendo música en esta canción. Todo es una gran armonía y melodía unísona, en el mismo momento, y en el mismo lugar. Esa es la virtud más interesante de esta canción. Una vez que la escuchamos varias veces comprendemos que no es una canción cantada a capella, sino que existe toda una inmensa producción y suficiente instrumentación como para pasar de una técnica, a otra. La línea de voz es magistral y se completa con unos coros perfectos. Además, la canción no es verso y coros simplemente. Las variaciones están presentes. Está lejos de lo lineal. Se aleja tenuemente. Hasta que finaliza en un delicadísimo “you don’t care a bit” que deja en evidencia lo intenso del viaje.
Letra: Esta letra preciosa puede tener muchísimas interpretaciones. En lo personal, me lleva como a la época de la revolución industrial, al momento del nacimiento de las máquinas, pero de inmediato me trae a casa y la entiendo como una queja contra la desidia del ser humano, quien se ha dejado tomar y vencer por las enormidades de la industria, el comercio y la vagancia. Una inteligente crítica a nuestro desinterés como ciudadanos del mundo. Triste.
Insigne: Son insignes los coros en general. También sin duda la melodía de voz. Pero si tengo que decidir me quedo lo que canta y como lo canta al 3:12, especialmente como pronuncia “need” y atrás se escucha el coro. En ocasiones es una lástima tener que escoger.
General: Esta genio tomó la decisión de innovar y regalarnos esta joya que al principio es casi incomprensible pero que al tiempo es inolvidable. El uso que hace de teclados y lo que sea que use para pasar su voz a través de las notas del teclado es algo impresionante. Los coros que genera son de ensueño. El hecho de lograr mezclar armonía con melodía al unísono merece levantarse y aplaudir. Ah, y regar la bola de que esto existe. PD: No se pierdan el trabajo de Imogen en el dúo llamado Frou Frou.
Idan Raichel Project – Bo ee (en youtube)
Música: Cuesta enmarcarla dentro de un género. Cada una de sus cinco o seis secciones está conformada por una progresión de acordes que van de ascendente a descendente y luego de vuelta al ascenso, como quien bajo la montaña para subir otra. Esto logra un efecto esperanzador en las melodías y nos hace no caer en el cansancio. Esta joya fusiona de forma impecable estilos hebreos y africanos (etíopes para ser exactos). El arte, para mí, está en las líneas de voces. Sin duda alguna.
Letra: La letra en hebreo es mucho más, diríamos, corriente. “Bo ee” quiere decir “Vamos”. En este caso en hebreo el hombre plantea la sutil invitación a acompañarlo sin importar lo que suceda. Es la parte en amharic la más interesante: primero el hombre haciendo observaciones sobre no desanimar cuando uno cae. Genial es la parte de la mujer, en la que en un tono precioso le hace recordar a su antiguo compañero cómo los años pasados fueron mejores, llenos de inocencia, pero los actuales son más difíciles.
Insigne: Cerca de los 2:20 en el video, cuano entra la mujer a cantar en amharic. Ese silencio se rompe con una voz angelical que está cercana a romper en llanto mientras recuerda su pasado. También al 1:04, cuando entra esa voz que hace sonidos esperanzadores. Brutal!
General: De nuevo mi primo me remite a música exquisita. Música del mundo. Idan Raichel dejó plasmado, en su disco The Idan Raichel Project, una de las fusiones más bellas y sinceras que hayamos escuchado en mucho tiempo. Resaltan también Be’Yom Shabbat y Mi’Ma’Makim. Son preciosas!
El blog va a seguir, a petición!! eso sí, no podremos poner links directos a mp3’s, o nos meten al tajo!!!
Saludos!!!
Así es. Luego de casi dos años de mantener esta labor de amor que es este sitio, el cual siempre tuvo la intención de compartir lo bueno de la música que hay por ahí, las políticas estadounidenses nos impiden seguir compartiendo más música. Hemos eliminado todos los mp3’s y lo que quedará por algún tiempo son los reviews. Si alguien quiere el respaldo del site en .pdf para recuerdo, aquí está. Por lo demás, estaremos pensando en qué otra cosa hostear en este dominio. Las gracias a los que venían de tanto en tanto y más aún a los que comentaban. Es triste pero así es la vida.
PD: Estamos buscando otro hosting más amistoso. Si lo logramos, volveremos!
Tuck & Patti – Love Warriors.mp3
Música: Vaya ejercicio el que hay que hacer para comentar esta canción! Desde el principio tenemos que separar la guitarra de la melodía de voz, pero justo en ese momento hemos de reconocer que casi son un elemento indivisible. Ahora bien, es posible notar cómo la guitarra toma uno de los elementos principales de la guitarra del jazz: pausas constantes junto con igualmente constantes variaciones en los acordes, y sobre progresiones en su mayoría románticas (y algunas otras disonantes) vierte una textura que es alimento para que la cantante pueda cantar un rango amplísimo de notas, y por ende melodías, y el conjunto que resulta al final sea una ilusión interesantísima: de dos instrumentos (guitarra y voz) se obtiene un resultado sonoramente completísimo. El otro elemento, la voz, pinta y pinta casi inquietamente sobre la música y propone una serie de melodías que, junto con una impecable interpretación, describen el talento de quien canta, tanto a nivel de técnica, como a nivel de composición.
Letra: Sabemos que Tuck y Patti normalmente escriben sobre mensajes positivos. En este caso han hecho un excelente trabajo al utilizar oraciones sumamente emotivas, con palabras que permiten escuchar dichas oraciones sin pensar que lo que se dice es cursi. Ejemplos son la punzante oración “we give up on love so easy” o cuando ella canta “Some say love is not the answer”. Al final el mensaje es claro, sobre luchar por el amor, y además resulta interesante ver cómo incorporan el tema de los hijos, y la necesidad de hacerlos pensar que el amor es algo por lo que vale la pena luchar.
Insigne: Me hace delirar la forma en la que Patti canta la primera oración de la canción: una oración tan verdadera. Tan sincera. Al 0:19 canta “We give up on love so easy, any little thing seems to turn us away”. Cuando uno escucha eso, sabe la calidad del resto que se aproxima. Insigne!
General: Esta canción llegó a mí por recomendación de alguien que constantemente quiere sorprenderme. Luego de haber escuchado más de este dúo que además es pareja sentimental, he de reconocer que no los he seguido escuchando, pero más por gusto musical que por no encontrar en su música algún valor. Luego de Love Warriors he se sigue reafirmando mi preferencia de lo simple ante lo complicado (siempre y cuando sepamos que simple no significa dejar de prestar atención a los detalles). La forma en que ambos se compenetran sirve como ejemplo quienes no crean en el acoplamiento. También debo resaltar lo interesante de escuchar cómo ambos parece que están improvisando el noventa por ciento del tiempo. Al final lo que me queda es música diferente, fresca, con contenido, en forma de una especie de jazz romantiquísimo, que al minuto de escucharlo deja de ser jazz y se convierte en un género más o menos único, casi inetiquetable.
Sitio. Algún video en YouTube. Comprar en: Amazon.
Amarillo, Cian y Magenta – Desert House.mp3
Música: La percusión, particularmente al 0.46 y luego en general por toda la pieza, es sin duda sacada de la cabeza de un ingenioso, y luego digerida y maravillosamente producida. Y al 2:02 caen esos acordes en el teclado y se termina de abrir una escena brevemente pintada por el sax. Pero sigue siendo la percusión la que marca la pauta. Esta pieza es como un collage de pausas y regresos finamente producidos, que incluye delicias a nivel de percusión, solos de bajo, riffs de sax y una interesante sensación de que se está en pleno viaje: un viaje de sonidos que a pesar de ir sobre solamente cuatro acordes, semeja algo infinito.
Letra: Melodías hechas letra. Ritmos hechos frases. Así las cosas, para mí la primera de las letras aparece al 2:02, como susurrando lo que vendrá. Sigue al 3:28 como un hálito de melancolía, y termina con fuerza al 5:09, definiéndose de una vez por todas.
Insigne: El primero es al 1:47, con esa percusión en dos frentes haciendo malabarismos, y el segundo es al 2:02 con ese delicadísimo acorde que cae sobre las teclas.
General: Este es uno de esos grupos que va creciendo con el tiempo. Madurando. Su propuesta es valiosísima desde el punto de vista musical. Una especie de jazz/fusión que da paso, en ocasiones, al virtuosismo, y en otras, al atrevimiento en la composición. Estamos seguros extrañaremos al percusionista inicial de la banda, y tenemos algún temor de que las composiciones que sigan llegando caigan en la monotonía del fusión como tal, pero por ahora apostamos a estos valientes que han llegado a revolucionar el ámbito musical costarricense. Me recuerdan mucho a aquel grupazo que se presentara en el país en dos ocasiones, la primera en Jazz Café y la segunda en el Melico: Julien Lourau y su Groove Gang. Otras recomendadísimas: Nómada y Después de Medianoche.
Saves the Day – Sound the Alarm.m4a
Música: Los elementos cautivantes en esta pieza: La fuerza. El beat pausado. La melodía de voz. De nuevo el beat fuerte con pausas. Puede parecer una canción normal estilo indie-rock/emo, pero la producción es lo que la hace superior. Veamos: El verso fuerte pero pausado marca puntualmente el rasgado en la guitarra y en el bajo, haciéndolo lo suficientemente distintivo para que entre cualquier coro magistral. Y en efecto lo hace: el pre-coro integra una melodía de voz que es la que comienza a definir si a alguien le gusta la canción o no. Luego viene el coro con las segundas voces y el riff de guitarra deliciosísimo, que termina cayendo en el verso, fuerte y pausado. Es impresionante. Los demás elementos se repiten a lo largo de la canción, con la excepción de un puente que nos lleva a un lado un tanto más oscuro, y que usa una especie de rebound sobre el mismo acorde, en escalera descendente hacia otros acordes.
Letra: Esta letra oscura y casi suicida nos hace preguntarnos si quien escribe se refiere a un sueño o a un sentimiento vivo. Es la lucha perdida contra uno mismo, incluyendo por ahí la responsabilidad o bien, el deseo de que alguien nos salve, “sonando una alarma” como para despertarnos o tendernos la mano. Es interesantísimo en esta canción el uso de las palabras en conjunto con la melodía, tal y como sucede en todos los pre-coros. Talento puro.
Insigne: El primero es el pre-coro al 0:30, y el segundo momento insigne es esa intensa desesperación con la que al 2:42, Conley suplica el “sound the ala-a-arm”.
General: Saves the Day llegó luego de una recomendación de una persona muy especial. Tuve la oportunidad de escuchar brevemente un repaso histórico de sus canciones, notando cómo han evolucionado en sonido y en afinación. Esta canción demuestra no sólo el crecimiento de un cantante, sino la depuración del sonido de un grupo. Al final, ésta pieza está aquí puesto que además de representar la evolución de un esfuerzo musical, es ejemplo de un excelente trabajo a nivel melódico en las voces, y de un punto intermedio de géneros: indie-rock/emo.
Matthew Good – Black Helicopter.mp3
Música: ¿Dónde está la clave de está canción? ¿Las claves? Primero: En el riff de guitarra. Segundo: en la melodía de voz. Tercero: En la aparente existencia de dos coros (el verso se confunde con el coro). Cuarto: En la producción. La canción va y viene sobre una progresión sencilla de acordes pero que al tener superpuesto ese simple pero ingenioso riff de guitarra, despega. Los puentes, particularmente el segundo, con ese piano con efectos, así como los samples que se escuchan, así como otros elementos adicionales, van completando esta delicia. La inclusión de elementos de cuerdas, guitarras distorsionadas, voces lejanas y otros, en momentos determinantes, añaden valor a esta fuerte y crítica pieza musical.
Letra: Todo se entiende mejor si sabemos de quien escribe. Good, aparte de ser un afamado músico canadiense, es un activista y escritor. En este caso ha logrado una letra bastante fuerte partiendo de uno de los elementos más curiosos y eminentes en las teorías conspirativas: el helicóptero negro. La letra en sí está bastante bien lograda, incorporando palabras clave y sonantes en lugares precisos, tensión en momentos adecuados, y tenues coros en otros mejores. El resultado final es un reclamo directo al gobierno de su vecino país, al que acusa de un supuesto progreso que generará repercusiones negativas. Genial. Un puño bien pegado en la cara.
Insigne: Comienza en el 1:54 con la guitarra y se le une tres segundos después la percusión, y luego al 2:00 la perfección llega con el riff más fuerte y los samples de voz que sutilmente emulan el pensar del gobierno estadounidense. Vaya puente!!!.
General: En forma de un rock alternativo sencillo nos llega la propuesta de Matthew Good. Hasta hace poco llegué a conocer su propuesta pero poco tiempo después puedo decir que su disco Hospital Songs es uno de los discos más completos que he escuchado en su género. Debo recomendar también su canción más larga, Champions of Nothing, y sin duda su disco In a Coma: 1995-2005, una recopilación que incluye joyas como In a World Called Catastrophe y The Future is X-Rated. Soberbio.
Nuestro buen amigo y lector Fomare (Juan José), directamente desde España, nos ha hecho algunas recomendaciones que no podemos dejar pasar, y menos aún si a este sitio le encanta el flamenco. Orobroy de David Peña Dorantes, S.O.S. con Falete y Mayte Martín, y algo de Facto Delafé, Sólo Palabras.
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I.
David Peña Dorantes – Orobroy.mp3
General: Este genio de la música flamenca está siendo reconocido hoy más que nunca, principalmente por su obra maestra, la canción Orobroy. Este tema ha sido tomado como emblema por el pueblo gitano por varias razones, entre ellas, porque la letra está escrita en su dialecto particular, y porque cuenta explica brevemente la historia de dolor del pueblo gitano, que a lo largo de los años ha vivido siendo marginado, y la transforma en una enseñanza de redención. La letra, cantada por niños sevillanos, es la siguiente:
“Bus junelo a purí golí e men arate
sos guillabela duquelando
palal gres e berrochí,
prejenelo a Undebé sos bué men orchí callí
ta andiar diñelo andoba suetí
rujis pre alangarí.”
“Cuando escucho la vieja voz de mi sangre
que canta y llora recordando
pasados siglos de horror,
siento a Dios que perfuma mi alma
y en el mundo voy sembrando
rosas en vez de dolor.”
La música es un emblema a la melancolía. El piano va tomando fuerza al juntarse con la percusión y con lo que parecen ser violas. El momento cúspide es justamente el verso de la canción, cuando el piano da espacio al coro de los niños, y la piel comienza a erizarse. Luego sigue un puente complejo y escalonado, que regresa al coro. Esta pieza, por su contenido en todos los sentidos, es ejemplo de música con un alto grado de emotividad. Prima. PD: Ojo que esta canción se sale del esquema: comienza con el coro, y cuando cantan los niños, ese, ese mismo es el verso. Jaj!
Sitio. Comprar en: Amazon.
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II.
Falete – S.O.S (en vivo con Mayte Martín).mp3
General: Falete es un cantaor y compositor español de flamencos y coplas, quien con su privilegiada voz y particular sentimiento ofrece normalmente interpretaciones insuperables. S.O.S. se construye principalmente a partir de la repetición de una seguidilla de acordes que justamente al repetirse pasan a segundo plano y dejan libre el camino para que quien interpreta pueda hacerlo a placer, incorporando todo el sentimiento que le sea posible. La letra es exquisita y nos plantea esa añoranza permanente por el amor resurrector. Junto con Mayte Martín, esta versión de S.O.S., en directo desde una transmisión del Loco de la Colina de Quintero (el mejor entrevistador español a la fecha), se escucha una vez y se graba para tenerla para siempre. PD: 2:46, “buscando un gran amor”. La forma en que canta esto Falete es, sin lugar a dudas, cautivante.
Sitio. Letra. En Wikipedia. En YouTube. Comprar en: Amazon.
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III.
Facto Delafé – Sólo Palabras.mp3
General: Barceloneses. A este tipo de canciones es a lo que llamo verdadera fusión. Esto es una combinación de hip-hop con rap y con jazz. El pop ocupa también algún lugar, principalmente luego de escuchar los coros a lo largo de la canción. Si bien nuestro amigo Fomare nos recomendó “Yo Soy la Juani”, esta es para mí la mejor canción de Facto Delafé que he escuchado. Y es que esta pieza hace, francamente, lo que le da la gana. Compuesta en tres movimientos perfectamente acoplados, esta joya en la composición se desmenuza de la siguiente forma: El primero del 0:00 al 1:33, el segundo del 1:34 al 2:19 y el tercero del 2:20 al 4:10. Lo que más destaca, para mí, son los acordes de los teclados, los delicadísimos y perfectos coros, y la línea de bajo. Pero lo que más me cautiva es lo que hicieron al 0:47, cuando deletran la palabra “afasia”, justo después de que la letra va restando importancia a la palabra y dándosela al olfato y al tacto. Impresionante.
Para escuchar las piezas en Streamlucid deberán ingresar lo siguiente:
For listening you must type down the following when prompted:
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Dntel (featuring Ben Gibbard) – This is The Dream of Evan and Chan.mp3
Este es un post de nuestro amigo Antonio Argüello, recomendando un piezón que vale la pena. Esperen pronto un post compilado de gitano-flamenco, inspirado-recomendado por otro de nuestros lectores.
Música: Creo que este es el detalle que más destaca. Como comienza con ruido hasta dar forma a una melodía. Una canción que envuelve con sus ritmos y sus cambios poco usuales. Trabaja la música electrónica de forma muy delicada, hace una mezcla poco usual de sonidos. Es una canción bastante elaborada, crea mucha paz, no es estridente. Encierra a la persona en un momento.
Letra: Se entiende que habla de una persona que busca paz y que encuentra seguridad en alguien, son palabras sencillas, pero muy bonitas. Con poco se dice bastante.
Insigne: Como toda canción predecible, a la mitad tiene un clímax, mezclando muy buenos elementos. Pero donde remarca y llama la atención es ese comienzo y final donde antes de entrar la melodía introduce esa distorsión de ruido en forma granulada hasta amalgamarse con la melodía y los ritmos.
General: En este caso, vemos al cerebro detrás de “The Postal Service”… al productor Dntel (Tamborello) en compañía de su compañero usual de The Postal Service: Ben Gibbard, solo que éste último como invitado. Esta es una de sus obras más populares, aunque tiene muchas que no tienen nada que desearle o envidiarle a esta. Considero que es un músico innovador, original y marca una etapa nueva de la música junto a otros productores de música electrónica experimentales, por ahora se mantienen en su medio underground muy bien acogido, sacando a ratos la cabeza a traves de remarcables producciones masivas, como en soundtracks de ciertas películas independientes. Es totalmente una delicatessen.
Sitio. Letra. En Wikipedia. Comprar en: Amazon.
Gorillaz – El Mañana (live).mp3
General: Una de las canciones más simples pero más bellas jamás escritas es El Mañana, de Gorillaz. La pregunta obligada es dónde reside su delicadeza. La respuesta tiene que ver directamente con esa relajada progresión en Do que se abre en el Sí menor y se rinde ante un sonido orquestral que es casi angelical. Esa puerta al coro y a los coros le sirven en bandeja de plata a Albarn para que deje plasmada su obra a través de un coro majestuoso, melódico y melancólico, con justas referencias a la mente, a dios y a alguna esperanza. A la incertidumbre. La mezcla, o mejor dicho, el resultado final de todo lo que se escucha, incluido aquí ese delicioso grito que se escucha al 3:29, es, para mí, una obra maestra. Con el tiempo algunas canciones salen para formar parte viva de la historia y ser recordadas a través del tiempo. Esta es una de ellas, y esta versión en vivo, desde Harlem, es incluso mejor.
Gooding – For Love.mp3
Música: Otra de esas que van incrementando la fuerza y la calidad conforme avanzan. Una especie de hip-hop que al mismo tiempo es rock. La pieza tiene particularidades rescatables: a. La fuerza de la percusión, b. La inclusión de elementos electrónicos en la percusión, c) Una guitarra eléctrica mágica que repite un riff igualmente mágico, d) Un solo de guitarra hacia el final de la canción que no es nada menos que brillante. En general, esta fusión se apoya más sobre el rock, cumpliendo a cabalidad la relación entre la música que se nos presenta y la fuerza del amor.
Insigne: Comienza al 0:48 pero es realmente al 2:34, con la fuerza de esa batería y la conjunción de las dos guitarras, la fuerte y la etérea. En la simpleza siempre está la magia. Bueno, casi siempre…
General: La primera canción que escuché de Gooding, y aunque mucho de su material no concentra la fuerza que contiene esta canción, es muy interesante escuchar sus mezclas y fusiones. Dudas no tengo sobre las emociones que generará al escucharla en carretera, o simplemente cuando nos estemos paseando por nuestra habitación, pensando.
The Notwist – This Room.mp3
General: Habrá que darle seguimiento a esta gente. Recién me presentaron este disco anoche y decidí que tenía que compartir este delicatesen. Luego iremos desmenuzando la cosa y demás. Por ahora impresionan ese delicioso beat contrapuesto con ese teclado sombrío y parco, que luego dejan espacio a una deliciosa combinación entre lo acústico y lo programado. Me recuerda de alguna manera a mis amigos de The Roadside Monument, tanto en la crudeza de la instrumentación, como en esa voz casi mañanera. En fin, algo para deleitarse en estas épocas de casi vacaciones jeje. Me cuentan si les gusta. PD: Escúchese al 2:51…Y luego al 3:10. Sabor!
The Pretenders – Don’t Get Me Wrong.mp3
Música: Verso de cuatro acordes sobre una estructura de 2/4 para darle todo el feeling de velocidad que tiene. Lo atractivo de la música se escucha cuando una guitarra que parece muteada toca dos notas repetidamente sobre la progresión de los acordes del verso. No se escucha virtuosismo ni complejidad. Pero sí se juega con menos o más instrumentos. Se juega con los platillos y siempre, de nuevo, con esa guitarra que durante todo el recorrido repite esas dos notas y nos hace sentir como si anduviéramos en bici a cien por hora.
Letra: Esta letra es simple y casi cursi en algunos momentos. Hubiese deseado que utilizara mejores situaciones o descripciones al momento de pedirle que no la malinterprete, pero en todo caso la letra cumple. Principalmente con oraciones como “if I come and go like fashion” o “if I’m looking kind of dazzled”. Esta canción es más de feeling, no de tecnicismos.
Insigne: 0:01. El comienzo. Ese saber que viene toda esa máquina de canción en cuestión de segundos. Esa repetición de notas de la lead guitar marca el camino y apenas comienza, emociona.
General: Este clásico, original del año 1986, se resiste al paso del tiempo. Siempre que se le escucha, ya sea en la radio o por algún otro golpe de suerte, anima, emociona y recuerda que la simpleza logra maravillas. Otra recomendada es Brass In Pocket, la cual fue revivida hace poco en la película Lost in Translation. En fin, ganas de compartir un clásico de clásicos.
The Postal Service – This Place is a Prison.mp3
Música: La belleza en el minimalismo bien trabajado. El beat como a cero bpms y las maravillas del 3/4. Distorsionado. El bajo acentuando. Distorsionado. Los samples delicadamente colocados y conforme van pasando los segundos se van añadiendo sonidos nuevos. Un coro. Teclados como gotas. Algo que semeja un acordeón eléctrico, si es que eso fuese posible. En fin… ¿la virtud? El crescendo casi tenebroso unido a los susurros que cantan una letra que nos sumerge en la impotencia. La virtud es la simpleza incrementándose en esfuerzo para lograr explotar, luego de una pausa, con una fuerza inclemente. Se siente, todo, como cuando se infla una bomba, poco a poco, y luego estalla. Solo que llena de sufrimiento.
Letra: La impotencia mental. Ver. Desear. Añorar. Estar sumido en el fango y desear respirar. Reconocerlo y preguntarse cómo hacer para salir de ahí. PD. La referencia al alcoholismo es casi inevitable.
Insigne: El clímax es al 2:19, pero el mérito lo tienen al 2:11, al dejar esa pausa y permitir que los sonidos se desvanezcan y dejen espacio pleno para esa explosión de fuerza que introducen la batería y la voz junto a la segunda voz. PD: La programación del beat es magistral.
General: Puede sonar, digamos, tres horas seguidas. Es délicat porque originalmente la canción dura 3:48 minutos, pero el tramo que existe desde el 2:19 hasta el final necesariamente debía repetirse en la versión original. Así que esta versión es un edit que hice, que aunque no perfecta, extiende el placer de la melancolía por cinco minutos más. He de admitir que no soy un amante de The Postal Service, pero la buena música debe reconocerse siempre que se le encuentre. Este proyecto de Gibbard junto con Tamborello nos llevó a muchos hasta el grupo llamado Death Cab for Cutie, banda que es, sin duda alguna, como una caja llena de agradables sorpresas.
Mylo – Valley of Dolls.mp3
Música: No queda mucha duda de que esto ha sido logrado en una computadora. Tampoco queda duda de que la música puede interpretarse mediante cualquier artefacto o instrumento. Al final, nace en la cabeza. Lo majestuoso son los coros a lo largo de toda la canción, así como esa pausa al 1:34 para regresar, sonido por sonido, a retomar el beat. La virtud en este tipo de canciones, es usualmente, lograr sonidos y ambientes que no suenen baratos, o repetidos. En este caso Mylo lo logra, y se pone a la altura de otros grandes como Chicane o Kaskade.
Insigne: 1:53, como poco a poco regresan el beat, algunos sonidos y finalmente los coros.
General: El mundo de lo electrónico produce, de tanto en tanto, lo que en el ambiente se conoce como productores. Este compositor es todo un músico con su teclado y su computadora, y es una muestra más de que con cualquier herramienta se puede lograr un producto artístico de primer nivel.
Shawn Mullins – Ballad of Billy Jo McKay.mp3
Música: La música gira en torno a tres acordes y alguno que otro tirado por ahí para logar los versos. Acústica. Sin pretensiones. Pero con un sonido impecable de la guitarra, de los arpegios y de las demás guitarras involucradas. Entonces ¿qué tenemos? Las que más llegan siempre serán las más simples, y eso se comprueba si escuchamos cómo la delicadeza en la guitarra mezclada con una melodía suficiente en la voz, así como adecuados acentos al momento de cantar, pueden lograr que las emociones se transmitan como inicialmente debían hacerlo. Además, la magia se logra al final, con ese crescendo entre música y letra que conforman un equipo vital en esta canción. Quien llegue atento al final sin duda sentirá su piel erizarse.
Letra: Siempre he creído en la producción lírica, no solo en la musical. En este caso ya sea puro talento o producción, esta canción tiene una de las mejores letras que he leído en una canción. La temática que trata, la forma en que usa las descripciones, las rimas y los acentos, así como el hecho de que la letra misma se incorpora a la música como una pieza única del rompecabezas, hacen que esta letra sea, para esta música, la letra perfecta, y logren pintar una escena del más pintoresco y duro sur de los Estados Unidos.
Insigne: 2:12, la canción llega al punto del final de la historia, de la toma de decisiones, y comienza, sensiblemente, el climax.
General: Una muestro de la grandeza de lo simple. Otras joyas de Mullins se llaman Shimmer, September in Seattle, Tannin Bed Song, y en general, su disco llamado Soul’s Core. Para quien quiera escuchar talento lírico puro, aquí tienen.
Cheekyboy – Let Me Clear My Throat At Christmas.mp3
Especial Navideño: El genio en el género mashup Cheekyboy, puso a nuestra disposición esta versión de la que parece ser Santa Claus is Coming to Town. Desconozco quienes han sido mashed up (o vrs., como se conoce en este ámbito), pero queda claro que la mezcla ha resultado deliciosa. Esos teclados y esos coros contrapuestos con ese graciosísimo animador hacen de esta versión algo alegre y diferente para esta navidad. Que les acompañe. Nos veremos en enero. Sí. Del 2007.
El disco Santastic II: Clausome, completo, con 24 mashups navideños. Sitio de Cheekyboy.
Cabeza de Vinil – La Grunger.mp3
Música: Esta canción está montada sobre una larga progresión de cuatro acordes. La principal variación recae en la estructura (cantidad) de los compases dependiendo del momento de la pieza, y sin duda en la fuerza que le corresponde a cada variación. Resulta interesante analizar los rasgados de la guitarra eléctrica, relacionarlos y ver cómo definen tanto al coro como a los versos. Quizás eso es lo más interesante de la canción, junto con algunos deliciosos elementos en el puente. En general, la fuerza, la adecuada melodía de la voz y la propuesta de un muy ingenioso guitarrista, hacen que esta joyita tenga que ser coreada. Desgraciadamente no hay más versos, que son la parte más llamativa de la pieza.
Letra: Insatisfacción como contenido, a los ojos de quien escucha. Lee. Interesante uso de la negación en el primer verso, así como las demás reflexiones. Bien escritas, pero más aún, mejor cantadas. Caen sobre la música de forma fuerte y armoniosa, y sin duda hacen que lo mejor de esta canción sean los versos. Es desafortunada, eso sí, la inclusión de la referencia al zacate verde [sic]. Trillada. Por lo demás, a pesar de que no termina de afianzar una idea en particular, la letra hace un uso adecuado de las palabras en los momentos clave de la canción.
Insigne: 0:44 a 0:54, la fuerza con la que canta ese verso, y más aún la forma en la que deforma la palabra “tiempos” para hacerla un emotivo grito, es sin duda una de las partes más altas de la pieza. Insignes son también, sin duda, los distintos rasgados de la guitarra y la introducción del solo, con el bajo.
General: No sé qué tan en serio se lo toman, pues está claro que la palabra vinil como tal no existe. Por lo demás, esta pieza torna en piezón debido a la fuerza que incorpora. Que emana. La clave sin duda está en esos versos tan catchy. Los maes tienen otra gran canción que se llama Y relámpagos. Habrá que ver si mantienen la curva en su disco debut.
Para escuchar las piezas en Streamlucid deberán ingresar lo siguiente:
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U l33t?
Phoenix – Consolation Prizes.mp3
Música: Ese beat super movido. Las pausas constantes para enfatizar. El riff de guitarra. El segundo verso más seguido con los acentos del redoblante y luego la apertura del coro con ese ritmo invencible que abre paso a un coro con un aura de gloria y viento rápido. Lo que hace que la música de esta canción sea tan interesante sin duda comienza con el riff, toma fuerza en las pausas, se regocija en los gritos de quien canta y termina de sorprender con una simple pero deliciously-sounding drum.
Letra: Para mí algo complicada de descifrar. Si bien nada espectacular, la letra está a tono con la vibra y el mood que genera la música. Y eso siempre es importante. Sin duda, además, lo que se canta en el coro, tiene todas las palabras adecuadas para sonar así como suena… delicioso.
Insigne: 2:28, es un ejemplo de una creación-producción que no le teme a tomar un riesgo y a hacer sentir que se disfruta la música.
General: Desde la primera vez que la escuché no he parado. Dudo que una vez que alguien la escuche pueda dejarla de lado. Y si de manejar y escuchar música se trata, excelente compañía. Positivismo. Pd. Recomiendo muchisísimo Too Young que puede ser encontrada en este mismo blog aquí.
Tahiti 80 – Mr. Davies.mp3
Música: Casi como que vuelven a los setenta. Imagino que se debe a los teclados y a ese sonido tan particular de la guitarra. En todo caso, a pesar de que la composición no es un derroche de virtuosismo, tiene elementos muy rescatables: la transición de los versos hacia el coro está lograda de forma impecable. Incluyo el inicio y los precoros, así como los puentes. Otros aspectos interesante son los distintos rasgados de los diferentes instrumentos: la guitarra prueba como tres, los teclados otros tres, y en general, y aunque no parezca, ahí están algunas variaciones. Por último, los coros son deliciosísimos.
Letra: Esta letra es muy curiosa. Me gustó desde la primera vez que la escuché y no deja de agradarme. Esa forma de describir a algún compositor y esa sagaz manifestación en el coro sobre ser considerado un compositor no hacen más que hacerme reír.
Insigne: 2:09 y siguientes, ese pequeño pero mágico solo de guitarra metido en la canción suena precioso.
General: Esta canción está aquí porque transmite una buena vibra, porque tiene una letra particularmente graciosa y humilde, y porque es una versión fresca de sonidos más o menos setenteros. Además, las canciones que transmiten esa buena onda siempre merecerán un lugar destacado en cada colección personal.
Alma Bohemia – Arimaca.mp3
Música: Me recuerda a Pink Floyd por alguna razón. Me lo recuerda mucho. La afinación de la guitarra en algún tono mucho más grave que el usual es el primer rasgo de particularidad. La producción es exquisita. Los versos son variados dentro de sí mismos. El detalle de la voz de la niña. El regreso al verso con esa deliciosa técnica en la guitarra. Luego ese build-up al 3:10 y esa segunda parte casi sinfónica. En general esta es una canción con una estructura muy particular: es una especie de collage que se siente como una canción de rock de esas que usualmente van al final de los discos, sublimes… extrañas… como al estilo de Third Eye de Tool o High Hopes de Pink Floyd.
Letra: Creo fielmente en la producción lírica y esta canción es un ejemplo de que es necesaria. No existe un tema real ni una cohesión en la letra, pero debo admitir que las palabras utilizadas en los momentos clave suenan bien.
Insigne: 2:03, un pequeñísimo gran detalle: jugar de una octava a otra en la voz, delicia! 4:55, sin duda alguna. Cuando regresa esa distorsión pero acompañada de un sinfín de sonidos casi etéreos de fondo, que le dan toda esa sensación de sinfonía, apertura y magnificencia a ese precioso final.
General: Junto con La Ilusión, esta es mi canción favorita de este grupo ya fenecido. Si bien nunca sacaron su disco a la venta, se le puede encontrar en algunos lugares en internet. Hubiera deseado igualmente un poco más de afinación en la voz, pero el conjunto al final suena, sin duda, deliciosísimo. PD: En el site de los maes, mientras exista, se puede bajar el disco completo, el cual es sin duda muy buen material.
Calle 13 – Eléctrico.mp3
Música: Esta especie de hip-hop tiene sabor. Tiene feeling. Y sobre todo mucha fuerza y rudeza. Va despacio pero con elementos interesantes como esa guitarra distorsionada y esos sonidos electrónicos al 0:48. Entonces la cosa va tomando fuerza, justo también con esa melodía de bajo que es tosca, simple y genialmente ruda. Por lo demás, es el combo con la magnífica letra lo que hace que esta pieza muestra de ingenio y rudeza sea simplemente genial.
Letra: Este Residente es simplemente un genio. No hablemos mucho de temática puesto que es simple reconocerla. Aquí lo impresionante, de verdad, es esa letra tan inteligente. Esas rimas insuperables. No es usual en estos géneros toparse con una producción lírica de este calibre. Así las cosas, Residente nos deja con una delicia de rudeza, sexualidad y testosterona implacables. De verdad que esta canción merece escucharse simplemente por la letra. A pesar de ser muy atrevida, el talento sin duda es evidente. Superior!
Insigne: 2:05… ese silencio para ser seguido por “vainillita con albaricoque”, blam!
General: Yo no daba mucho por este grupo a pesar de que un amigo me insistía en Atreve-te-te. Luego tuve la oportunidad de dedicarle tiempo y atención, y sin duda me dejó perplejo. Estos hermanos se la traen, y me dejan dos enseñanzas: Primero: La educación del músico, en general, siempre aporta (estos dos son personas cultas). Segundo: La producción lírica en efecto puede hacer que las canciones perduren. Esta canción es superior!
Como motivación para los fieles seguidores a este sitio, y como método para sentirme más tranquilo, para bajar en Streamlucid deberán ingresar lo siguiente:
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U a leech?
Daniel Bélanger – La Folie en Quatre.mp3
General: Dudo que muchos hayan escuchado la versión original. En todo caso, esta versión es única. El público… la pasión con la que Daniel canta. Las pausas… Algo me dice que hace referencia a las cuatro estaciones (como viene haciendo desde hace muchos años), y señala que para él olvidarla, será porque está loco. En todo caso, las melodías que hace con su voz a lo largo de toda la canción son lo que más cautiva en esta deliciosísima obra de un músico de Québec, Canadá.
Hem – Leave Me Here.mp3
Música: Una extraña mezcla entre melancolía, esperanza y algo más. Definitivamente la instrumentación que cumple una labor encomiable son los vientos. Ahora bien, el feeilng que tiene la canción se lo debe en enorme medida tanto a la métrica como a la estructura tipo “vaivén? que tiene. Eso, mezclado con los compadrazgos logrados entre piano y voz, hacen que esta canción parezca simple pero sea una compleja y delicada red de emociones muy bien interpretadas.
Letra: Luego de leer algunas observaciones del escritor y de leer atentamente la letra, solamente queda por decir que el amor puede ser gozo y desgracia en cuestión de segundos. Nada fuera de lugar aquí. Nada increíble tampoco. Bien lograda.
Insigne: Comienza al 1:53 y se completa con el “though I know…?. Toda esa parte es sensacional. Otro insigne es constante durante la canción: la línea de la viola, la cual se regocija por ejemplo al 0:10, cuando hace la armonía a la primera línea de viola. UFF…
General: En un principio sonaba como algo simple. No lo es. La instrumentación es casi perfecta. La voz también lo es. El arpeggio el piano destroza todo a su camino, y los lamentos de la viola sin duda añaden el ambiente final. Esta canción puede ser escuchada cientos de veces seguidas. Esta canción toca fibras sin duda alguna, porque es una canción sincera. Sin pretensiones. Pero excelente.
Cultura Profética – De Antes.mp3
Música: Son impresionantes la producción y la ejecución en esta canción. Hay que escucharla en full stereo con alto volumen para apreciar la delicadeza de los arreglos y de la instrumentación presente. Especialmente los teclados, y le siguen la percusión y los vientos. En general esta canción es una joya del reggae que definitivamente se encuentra a la altura de los mejores exponentes.
Letra: La intención de grupos como Cultura Profética sin duda es clara: proponer. La letra de esta canción definitivamente toca temas muy distintos de los que usualmente se tocan en el reggae. Las metáforas son bien utilizadas y en general la forma en la que se dice que se conoce de antes a otra persona nos lleva a una propuesta definitivamente muy original. Bien escrita, y valiente.
Insigne: 1:28, ese delicioso teclado que le hace segunda a la voz, súper!, y al 4:22 el teclado vuelve a hacer magia. Simple. Pero magia.
General: Siempre disfruto mucho al escuchar De Antes de los puertorriqueños de Cultura Profética. Esa voz que se desliza sobre los acordes de forma tan suave sin duda es cautivante. Pero como señalaba anteriormente, la instrumentación, los sonidos, y en general la producción de esta pieza la hacen invaluable. Soniditos por todos lados, percusión impecable, y ni qué decir, definitivamente, de los teclados, que son mágicos. Además la forma en la que se nos presenta el tema de conocer a alguien de oto tiempo nos lleva a una versión del reggae usualmente no visitada. Otras canciones de este grupo también merecen ser escuchadas. Pero por ahora yo me quedo con ésta.
Bliss – Song for Olabi.mp3
Música: Percusión. Delicada y bellísima. Entran los teclados para el ambiente. Continúa la percusión con los agudos y siguen entrando elementos como los famosos “huevitos?, en el parlante izquierdo. Ahora un instrumento más en el derecho. Todo se va uniendo al lado de ese ambiente esperanzador creado por los teclados. Sin duda la canción es una perfecta suma de elementos. Y sin duda es una oda a la percusión. Luego llega un poco de scat sampleado. Pero no se puede decir nada hasta que no se ha escuchado ese canto estilo ópera del final y sentir cómo se eriza la piel. Esta canción es un constante build-up que toca fibras nerviosas. Todas. Como con manos de seda.
Insigne: Al 4:49 entra ella cantando. Impresionante.
General: Esta es una de las canciones que más me ha costado conseguir. Sonó en alguna escena importante de CSI y luego no pude dejar de buscarla. Seguramente la razón de la dificultad es que son daneses. O que tienen un cantante africano. Y casi podría caer esta canción dentro del rango de esas obras baratas como lo que hace la gente de ERA o aquellas fusiones de gregorianos con beats. La diferencia aquí está en que la instrumentación es real, así como en la propuesta del build-up que se va haciendo. La inclusión constante de nuevos instrumentos. Los recursos para tocar los sentimientos. Al final esta canción parece más simple de lo que es. Pero… ¿qué es? La respuesta está en las emociones que evoca.
New Radicals – A Love Like That (Unreleased).mp3
Música: Escrita en Do mayor, esta canción es un claro ejemplo del estilo musical de un exitoso compositor de música pop de la época: Gregg Alexander. Este compositor es responsable nada más y nada menos, de éxitos como You Get What You Give de New Radicals, The Game of Love de Santana y Michelle Branch, y I’m Gonna Blow Your Mind de Carly Hennessy . La estructura de la canción responde a los versos con un coro muy pegajoso que en la última parte tiende a la repetición. No es novedosa la estructura, ni la música o ejecución, pero es interesante analizar y